GALERIE MICHEL REIN : PARIS : Current exibition

DORA GARCIA

What a fucking wonderful audience*
*transcript of the shortest performance ever delivered by Lenny Bruce, in Sydney September 6 1962, whereupon he was immediately arrested.
*transcription de la plus courte performance jamais réalisée par Lenny Bruce, le 6 septembre 1962 à Sydney, suivie de son arrestation immédiate.

vernissage/ opening reception: 14.03.09, 16h-21h

!!! performance The 60-minute zoom, identification/projection (with Geoffrey Carey, 20 min), 20h !!!

exposition /exhibition: 14.03 - 11.04.09

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VINCENT HONORÉ, DORA GARCÍA : ENTRETIEN 17.02.2009
(please scroll down for English)

Vincent Honoré: J’aimerais d’abord parler du contexte de l’exposition à la galerie Michel Rein, de son point de départ.
Dora García: … En 2008, j’ai réalisé une série de performances, tirées du Beggar’s Opera de 2007 au Münster Sculpture Projects1, qui avait pour but de recréer l’équilibre délicat et l’harmonie subtile qui doivent exister entre un acteur et son public, un artiste et ses spectateurs. J’ai traité cette question dans des oeuvres comme The Sphinx, Lettres à d’autres planètes, ou The Messenger 2, mais maintenant, après The Beggar, j’étais prête à assumer un poids narratif plus important. La performance de Dan Graham, performer/audience/mirror (1977)3, est un modèle évident et permanent pour moi…
VH: Pourquoi cette oeuvre de Dan Graham ?
DG: Cette oeuvre m’a toujours hantée, elle a pris des significations différentes avec le temps. En ce moment, deux choses sont particulièrement importantes pour moi : la notion de narration en temps réel (décrire une action au moment où elle se produit, description et action se déréglant mutuellement) et l’idée de faire du public l’objet-même de l’oeuvre, et non son destinataire. Il n’y a rien d’autre que l’artiste et le public (l’objet d’art est ainsi éliminé). Il y a même une troisième chose : l’artiste force le public à abandonner sa position de spectateur par pur sentiment d’embarras…
VH: Votre travail débute souvent par une recherche intensive, une archéologie de son contexte, une investigation de la situation dans laquelle l’oeuvre va naître, ou le lieu où elle sera réalisée. Votre travail interroge les conditions même de son apparition. Quelle est la situation pour cette exposition ?
DG: … Curieusement, je trouve des modes de travail très similaires chez des comédiens de premier ordre tels que Lenny Bruce ou Andy Kaufman4. A l’occasion de la Biennale de Sydney, j’ai appris cette anecdote : un spectacle de Lenny Bruce avait été programmé à Sydney en 1962 pour une semaine. Le soir de la première, alors qu’il avançait vers la scène, probablement sous l’effet de drogues, il n’a pas retrouvé son chemin parmi les rideaux et finalement, il a ouvert l’un de ces rideaux, dévoilant un immense miroir qui reflétait le public. Il s’est exclamé : WHAT A FUCKING WONDERFUL AUDIENCE! (Quel putain de merveilleux public!) C’était la première fois que le mot « fuck » était prononcé dans un lieu de spectacle et en public en Australie. Selon les témoins, le silence qui suivit rappelait le silence qui suit l’explosion d’une bombe. Quelqu’un appela la police et Lenny Bruce fut arrêté et interdit de spectacle en Australie pour le restant de sa carrière. Une bonne histoire et un cas assez clair de déséquilibre entre le public et l’acteur. Cette histoire est à l’origine de l’une des vidéos que je vais montrer dans l’exposition, Just because everything is different it does not mean that anything has changed: Lenny Bruce in Sydney(Simplement parce que tout est différent, ça ne veut pas dire que quelque chose a changé : Lenny Bruce à Sydney). Qu’est-ce que Lenny Bruce aurait dit à son public à Sydney si on lui avait donné la possibilité de parler, et si ce jour n’était plus en septembre 1962 mais, par une sorte de saut spatio-temporel, le 19 juin 2008 ?
VH: Parlez-nous des autres oeuvres qui complètent l’exposition. Elles sont montrées pour la première fois à Paris.
DG: J’ai fait deux pièces performatives à partir de l’oeuvre sur Lenny Bruce, la première : What a Fucking Wonderful Audience et la seconde : The artist without works: a guided tour around nothing (L’artiste sans oeuvres : une visite guidée de rien du tout). Les deux utilisent le format de la visite guidée « détraquée ». La première a pour contexte la Biennale de Sydney 2008 et revisite trois chefs d’oeuvre qui ont embarrassé leur public : La Societé du Spectacle (Debord), Cosmococas (Oiticica)5 et Kunst Kick (Burden)6. La seconde découle de la première et du superbe livre de Jean-Yves Jouannais Artistes sans oeuvres. Elle offre la possibilité de faire une visite autour des oeuvres d’un artiste qui n’en produit pas.
VH: Vous mentionnez Guy Debord. J’aimerais vous demander quelle est votre relation au Situationnisme. Le programme que vous suivez est-il hérité du Situationnisme ? Par exemple, vous procédez à l’exclusion du spectateur. Vous exigez à la place la figure de l’acteur : vos oeuvres ne sont accessibles qu’à ceux qui les jouent, ou qui jouent avec elles.
DG: Je n’ai pas de relation consciente avec le Situationnisme. Je crois que j’ai plus conscience de ce que je dois aux héritiers des Situationnistes (ou plutôt à leurs cousins éloignés) comme Group Material7. En effet, j’essaie de faire en sorte que le spectateur ne puisse pas conserver son rôle et le forcer à prendre position. Mais personne n’a une vision d’ensemble de l’oeuvre : le spectateur, l’acteur et moi avons tous des vues partiales, au sens littéral du terme.
VH: Revenons à l’exposition : comment présentez-vous les performances ?
DG: … Dans l’exposition, ces performances (What a … et The artist without …) seront présentes à travers leurs scripts et les « accessoires » utilisés : cartons de notes, journaux et photographies. Les deux performances citent un fragment de la célèbre pièce de Peter Handke, Insulting the audience (Outrage au public). Cette idée « d’outrage au public » est à la base de deux autres oeuvres vidéos dans l’exposition : The Innocents et M*A*S*H. La première est issue d’une collaboration avec GLAD TEATER8, la première compagnie de théâtre que je connaisse qui soit composée d’handicapés mentaux et gérée par eux. Nous avons organisé ensemble des discussions sur l’exposition et le rôle de l’art avec le public de U-Turn, Quadriennale d’art contemporain de Copenhague. La deuxième oeuvre est aussi une collaboration, avec Green Pig9 et le Nam June Paik Art Center, tous deux en Corée du Sud, et pourrait être décrite, de façon assez incongrue, comme la version théâtrale Coreano-Brechtienne du célèbre film M*A*S*H de Robert Altman.
VH: N’est-ce pas une contradiction que d’essayer de présenter une performance à travers des objets ? S’agit-il d’un compromis ? Pourquoi ne pas simplement réaliser cette performance dans la galerie ?
DG: Oui c’est vrai. Et en même temps non, car ces performances ont été réalisées dans un temps et un espace donnés et ne peuvent pas être réactivées : elles ne peuvent ainsi exister que sous forme de documentation ou de « cartes provenant de l’autre côté ».
VH: Vos oeuvres sont fragiles puisque, souvent, elles existent seulement par l’éventualité de leur réalisation. Cela est dû à la forme qu’elles prennent, souvent performative, orale et éphémère, mais aussi à votre intérêt pour la transmission (et ses ruptures) et votre résistance à l’institutionnalisation. Partant de là, votre travail témoigne d’une certaine résistance critique aux images et à la dictature qu’elles exercent, ou de leurs liens au pouvoir : « mes pensées avaient été remplacées par des images en mouvement ». Quelle est votre relation aux images ?
DG: Je crois simplement très fortement que l’absence d’image et plus puissante que n’importe quelle image. Vous pouvez lier cela à beaucoup de choses, de l’Ancien Testament à Michael Asher, en passant par L’Evangile Selon Saint Matthieu de Pasolini.
VH: Giorgio Agamben a déclaré dans une conférence sur l’Internationale Situationniste et la vidéo : « On ne peut pas considérer le travail de l’artiste simplement en terme de création ; au contraire, au coeur de chaque acte de création, il y a un acte de dé-création. Deleuze a dit une fois du cinéma que chaque acte de création est aussi un acte de résistance. Qu’est-ce que cela veut dire de résister ? Avant tout cela veut dire dé-créer ce qui existe, dé-créer le réel, être plus fort que le fait devant vous. Chaque acte de création est aussi un acte de pensée, et un acte de pensée est un acte de création, car il se définit avant tout par sa capacité à dé-créer le réel. » Cette citation semble s’appliquer particulièrement bien à votre travail, une oeuvre de déconstruction. Vos oeuvres agissent comme des parasites, elles piratent l’institution et révèlent les fêlures d’un système (cf The Sphinx ou One minute silence), surtout les systèmes de monstration dans l’art contemporain, et leurs inhérentes hiérarchies de classe et structures d’exclusion (cf Perplexity, 1996, The Locked Room, 2002-2003, Lettres à d’autres planètes ou Visiteurs et résidents, 2005). Cette exposition opère-t-elle aussi à ce niveau ?
DG: Elle se place dans une continuité naturelle, je pense. J’aime penser que le « public » est l’équivalent le plus révélateur de « l’espace public ». L’espace public se définit plus par ce qu’il exclut que par ce qu’il inclut, puisque, sur le papier, tout le monde peut venir. Donc, sur le papier, tout le monde peut aussi faire partie du public, mais la vérité c’est qu’il y a, entre l’auteur et le public, un système de feedback très complexe qui modèle l’auteur et le public
jusqu’à ce qu’ils soient pratiquement identiques. L’exposition est à propos de ça.

1. The Beggar’s Opera était la contribution de Dora García au Sculpture Project de Münster en 2007. Dora García a engagé trois comédiens pour jouer le mendiant dans les rues de la ville pendant la durée de l’exposition. Le projet était décrit comme suit : « Créer un personnage qui habite l’espace public et qui doit s’y impliquer, à moitié de façon improvisée et à moitié selon un scénario écrit à l’avance. Un personnage assez marginal pour pouvoir parler à tout le monde, dire ce que bon lui semble, être là sans vraiment se faire remarquer –comme les employés subalternes ou les fous. Il agit comme catalyseur : il distribue l’information et provoque des événements qui créent une narration, sous forme de conversations ou d’actions. Rien de plus logique que d’utiliser le personnage du mendiant. The Beggar's Opera, opéra de John Gay du XVIIIème siècle adapté par Bertolt Brecht sous le titre L’opéra de quat’sous, est le modèle que nous adaptons et adoptons, nous lui rendons hommage et en faisons notre fil conducteur pour créer le personnage du Mendiant. Le Mendiant est Filch, mendiant apprenti dans les pièces de Gay et
de Brecht. Il va sans dire que la référence à de telles oeuvres souligne le parallèle entre les différentes fonctions de mendiant / poète / acteur / joueur / critique. »
Voir www.thebeggarsopera.org
2. The Sphinx, 2004 : une femme visite l’exposition chaque jour dans le but de trouver un visiteur capable de répondre à trois questions. Les réponses sont considérées comme correctes lorsqu’elles correspondent à celles qui ont été choisies par l’artiste. Lettres à d’autres planètes, 2005 : le communiqué de presse de l’exposition est traduit dans douze langues différentes, quasiment incompréhensibles par les visiteurs de l’exposition, puisque ce sont des langues parlées par des minorités. The Messenger. Inserts in Real time, 2002 : une actrice qui joue le rôle d’un messager, apprend un message par coeur dans une langue qu’elle ne reconnaît ni ne comprend. La performance consiste à trouver dans la ville ou le quartier où elle a lieu, quelqu’un qui comprenne le message.
3. L’oeuvre est autant une scène qu’une performance codifiée par une série de règles précises sur la perception de soi et les dynamiques de groupe. Dan Graham a écrit : « A travers l’utilisation du miroir, le public se perçoit instantanément comme un corps public (comme unité), contre-balançant la définition que lui attribue le performeur. Cela lui confère un pouvoir équivalent à celui du performeur au sein de la performance. »
4. Lenny Bruce (1925 –1966) est un important comédien de « stand-up » américain qui a eu beaucoup d’influence. Il a brisé toutes les conventions possibles de la comédie. Sur scène, Bruce attaquait la religion, la police, et toutes sortes de conventions. Il a été poursuivi à plusieurs occasions pour obscénité et possession de drogue. Il est probablement mort d’une overdose dans des conditions assez douteuses en 1966.
Andy Kaufman (1949-1984) a figuré dans la première transmission télévisuelle de l’émission Saturday Night Live. Il est connu pour avoir poussé le gag et l’art de la performance aux franges de l’irrationalité, brouillant les lignes de partage entre le spectacle et la réalité : il a amené tout le public du Carnegie Hall manger des cookies et boire du lait (en louant 35 bus). On disait qu’il ne se départait jamais de ses personnages, même lorsqu’il n’était pas en tournage.
5. Cosmococas est une collaboration entre Helio Oiticica et le cinéaste brésilien Neville d’Almeida. Cosmococas est un programme « in progress » fait d’une série d’environnements, les « Block Experiments » (1 à 9), un projet évolutif ambitieux qui comprend installation, projections et participation du public.
6. Pour sa performance Kunst Kick, Chris Burden a demandé à ce qu’on lui fasse descendre les marches d’un escalier quatre à quatre, à coups de pieds, pendant le vernissage public de la foire de Bâle en 1974.
7. Groupe collaboratif fondé à New York en 1979, qui avait comme membres des artistes tels que Doug Ashford, Julie Ault, Félix González-Torres, Mundy McLaughlin, et Tim Rollins. Les centres d’intérêt du groupe allaient des théories féministes et marxistes au design, en passant par la culture populaire. A partir de projets et d’expositions, ils s’attaquaient à des problématiques relatives à la démocratie, la discrimination, le milieu de l’art , en mettant à profit le public, les communauté et des collaborations avec d’autres artistes.
8. Glad Teater (Théâtre Joyeux) est une compagnie danoise. C’est la première école au monde de théâtre professionnelle du monde pour handicapés psychique et moteur.
9. Green Pig Theatre est une compagnie de théâtre créée à New York en 2001 par les dramaturges Bathsheba Doran et Sadie Foster et le metteur en scène Hansol Yoon. La compagnie est aujourd’hui dirigée par Hansol Yoon et basée à Séoul en Corée.
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Vincent Honoré est commissaire d’exposition indépendant. Après avoir travaillé au Palais de Tokyo puis à la Tate Modern, il a été chargé de définir et de programmer les activités de la David Roberts Art Foundation à Londres, ainsi que d’en orienter la collection. Dora Garcia y a été invitée à montrer Lettres à d’autres planètes et à y organiser une performance en octobre 2008. Elle est entrée dans la collection en 2008.
What a fucking wonderful audience est la deuxième exposition personnelle de Dora García à la galerie Michel Rein.

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Images disponibles sur demande, merci de contacter Léna Monnier: galerie@michelrein.com
Prochaine exposition: Dan Perjovschi, Free Style, vernissage: 18/04/2009
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VINCENT HONORÉ, DORA GARCÍA: INTERVIEW 17.02.2009

Vincent Honoré: I wanted to ask about the main background of the exhibition at galerie Michel Rein, its points of departure.
Dora García: … In 2008, I realized a series of performances, heirs of The Beggar’s Opera of 2007 in Münster Sculpture Projects1, where the main focus was on the very delicate equilibrium and fine tuning that must exist between an author and his/her public, between an actor and his/her audience, and between an artist and his/her spectators. This issue had been addressed in works such as The Sphinx, Letters to Other Planets, and The Messenger2, but now, after The Beggar, it was ready to assume a greater narrative weight. A very clear and permanent model has always been Dan Graham’s performance performer/audience/mirror (1977)3…
VH: Why this work by Dan Graham?
DG: This work has always haunted me, meaning different things as time passed by. Right now, two things in it are especially important for me: the notion of real-time narrative (to describe an action as it is happening, with description and action mutually unsettling each other) and the idea of making the audience the object of the work, not the recipient. There is nothing more than artist and audience (art object is therefore eliminated). A third thing, too: the artist forces the audience to abandon the position of spectator through sheer embarrassment…
VH: Often, to start with, your work is rooted in extensive research, an archaeology of its context, an investigation of the situation the work will address, or where it will be realised. Your works question the conditions of their appearance. What’s the situation with this show?
DG: … Curiously, I could find very similar structures in first-rate comedians such as Lenny Bruce and Andy Kaufman4. In particular, at the Sydney Biennale, I came upon this story: Lenny Bruce had been booked to perform in Sydney for one week in 1962. The first evening he performed, while walking to the stage and being fairly high on drugs, he couldn’t find his way among all the curtains and then opened one of those curtains, discovering an enormous mirror
that reflected the audience, upon which he exclaimed: WHAT A FUCKING WONDERFUL AUDIENCE! It was the first time that the word “fuck” had been uttered in a public venue in Australia. According to witnesses, the silence that came after it was reminiscent of the silence after a bomb being dropped. Someone called the police and Lenny Bruce was arrested and never allowed to perform again in Australia. A good story and a clear case of lackof-balance between audience and actor. This story lies at the origin of one of the videos I will show in the exhibition, Just because everything is different it does not mean that anything has changed: Lenny Bruce in Sydney. What would Lenny Bruce have said to his Sydney audience had he been given the chance to speak, and what about if that day was no longer in September 1962, but by some sort of quantum leap, was 19 June 2008? …
VH: Tell us about the other works that will complete the exhibition. They are being shown for the first time in Paris.
DG: From the Lenny Bruce piece came two performance pieces: What a Fucking Wonderful Audience, and two, The artist without works: a guided tour around nothing. Both use the format of “deranged” guided tours. The first one has as context the Sydney Biennale 2008 and revolves around three master pieces of audience-embarrassment: La Societé du Spectacle (Debord), Cosmococas (Oiticica)5 and Kunst Kick (Burden)6. The second one evolves from this first one and from Jean-Yves Jouannais’s magnificent book of Artistes sans oeuvres. It presents the possibility of visiting the works of an artist who does not produce any.
VH: You mention Guy Debord. I wanted to ask you about your relationship with Situationism. Do you follow a program somewhat inherited from Situationism? For instance, you dismiss the spectator. Instead you call for the actor, your works are accessible only for those who play them, play with them, etc.
DG: I do not have a conscious relation with Situationism. I believe I have been more conscious about heirs of the Situationists (distant cousins, probably) such as Group Material7. And indeed I try to make it impossible for the spectator to maintain his role: he is forced to adopt a position. But no one has a complete picture of the work, the spectator, the actor, myself, we all have partial views, in a literal sense.
VH: Back to the exhibition, how are you presenting the performances?
DG: … In the exhibition, these performances (What a… and The artist without…) are presented by means of their scripts and the “props” used to perform them: annotated text cards, newspapers, and photographs. Both performances quote a fragment of the famous Peter Handke’s play Insulting the audience. This idea of “insulting the audience” lies at the basis of the other two video works in the exhibition: The Innocents and M*A*S*H. The first one is a collaboration with GLAD TEATER8 the only theater company I know composed and managed by intellectually challenged people. Together we organized discussions with the public of U-Turn, Quadrennial of Contemporary Art, Copenhagen, on the exhibition and on the role of art. The second work is a collaboration again with Green Pig9 and the Nam June Paik Art Center, both in Korea, and could be described, amazingly enough, as a Korean-Brechtian theater version of the famous movie M*A*S*H, by Robert Altman.
VH: Isn’t there a particular contradiction in trying to present a performance by way of objects? Is it a compromise? Why not simply perform them?
DG: Yes, it is. And then not, because those performances are “site and time specific”, and cannot be replayed: therefore they can only exist as documentation, or “cards from the other side”.
VH: Your works are fragile in that they often exist only in their possibility. This is due to their form, often performative, oral and non-permanent, but also in your interest in transmission (and its ruptures) and your resistance to things institutionalized. From this, your work attests to a certain resistance and criticism to images and their dictatorship, or their link to power: “my thoughts had been replaced by moving images”. What is your relationship to images?
DG: I just strongly believe that the absence of image is more powerful than any image. You can link this to a lot of things, from the Old Testament via Pasolini’s Il Vangelo Secondo Matteo, to Michael Asher.
VH: Giorgio Agamben declared in a lecture on International Situationism and Video work: “One cannot consider the artist’s work uniquely in terms of creation; on the contrary, at the heart of every creative act there is an act of de-creation. Deleuze once said of cinema that every act of creation is also an act of resistance. What does it mean to resist? Above all it means de-creating what exists, de-creating the real, being stronger than the fact in front of you. Every act of creation is also an act of thought, and an act of thought is a creative act, because it is defined above all by its capacity to de-create the real.” This quote seems particularly relevant to your work, as a task of deconstruction. Your works are parasites, they pirate the institutionalised and reveal cracks in systems (cf The Sphinx and One minute silence), especially systems of monstration in contemporary art, and their inherent class hierarchies and structures of exclusion (cf Perplexity, 1996, The Locked Room, 2002-2003, Letters to other planets andVisiteurs et résidents (2005). Is this exhibition operating on the same level?
DG: It is a natural continuation I think. I like to think of “audience” as the most revealing equivalent for “public space”. Public space is better defined by what it excludes than by what it includes, since on paper everyone can come in. So on paper everyone can be part of the audience too, but the truth is that between author and audience there is an extremely complex feedback system that shapes both author and audience until they are virtually identical to each other. So this exhibition is about that.

1. The Beggar’s Opera was Dora Garcia’s contribution to the Sculpture Project Münster 07. Inspired by a play by John Gray and Bertolt Brecht, García hired three comedians to play a beggar in the streets throughout the duration of the exhibition. The work is described as follows: “To create a character who inhabits public space and who deals with it in a half improvised, half scripted way. A character marginal enough to be able to talk to everybody, to say whatever he pleases, and be there without really being noticed – like servants and madmen. He functions as a catalyst: he distributes information, and he provokes events that create a narrative, in the form of a conversation or an action. It was only logical to use the figure of the beggar. The Beggar’s Opera, the 18th century opera by John Gay adapted by Bertolt Brecht under the title The Threepenny Opera, is the model we adapt and adopt, as a homage and as a leading thread, to create the character of The Beggar. The Beggar is Filch, the apprentice beggar in both Gay’s and Brecht’s plays. It goes without saying that reference to such works underlines the parallels between beggar/ poet/ actor/ player/ critic.” See www.thebeggarsopera.org
2. The Sphinx, 2004: A woman visits the exhibition every day with the aim of finding a visitor who is able to answer three questions. The answers are correct only if they match the answers decided upon by the artist. Letters to Other Planets, 2005: The exhibition press release is translated into twelve different languages, virtually incomprehensible to all visitors to the exhibition, since they are minority languages. The Messenger. Inserts in Real time, 2002: an actress, who plays the role of the messenger, learns a message by heart, which consists of a few sentences in a language she does not recognize or understand. The performance consists of finding, in the city or in the area where it is staged, someone who understands the message.
3. The work is as much a stage as a performance conducted by a set of precise rules about self-perception and group dynamics. Dan Graham wrote “Through the use of a mirror the audience is able to instantaneously perceive itself as a public body (as a unity), offsetting its definition by the performer. This gives it a power within the performance equivalent to that of the performer.”
4. Lenny Bruce (1925 –1966) was a seminal American stand-up comedian. He broke tradition with every comedy convention. On stage, Bruce attacked religion, police, and all kind of conventions. Bruce was tried several times on obscenity charges and for drug possession. He died of a suspicious drug overdose in 1966.
Andy Kaufman (1949-1984) performed in the inaugural broadcast of Saturday Night Live. He is known for taking comedy and performance art to the edges of irrationality, blurring the line between spectacle and reality: he took his entire Carnegie Hall audience out for milk and cookies (hiring 35 buses to do so). He was said never to be out of character, even when he was not filming.
5. Cosmococas is a collaboration between Helio Oiticica and Brasilian director Neville d’Almeida, Cosmococas is a “program in progress”, made of a series of environments, the “Block Experiments” (1 to 9), an ambitious evolving project which involves installation, projections and the audience’s participation.
6. For his performance Kunst Kick, Chris Burden had himself kicked down a flight of stairs, two or three steps at a time, during the public opening of the Basel Art Fair in 1974,
7. A collaborative group founded in New York in 1979, it included artists such as Doug Ashford, Julie Ault, Félix González-Torres, Mundy McLaughlin, and Tim Rollins. The group’s interests ranged from feminist and Marxist theory to design and popular culture. Through projects and exhibitions, it questioned issues related to democracy, discrimination and the art establishment, often involving the audience, communities and collaborations with other artists.
8. Glad Teater (Happy Theatre) is a Danish theater company. It is the world’s first professional theatre school for the mentally and physically disabled.
9. Green Pig is a theatre company formed in NYC 2001 by playwright Bathsheba Doran, dramaturg Sadie Foster, and director Hansol Yoon. Currently the company is run by Hansol Yoon and based in Seoul, Korea.
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Vincent Honoré is an independent curator. After working for the Palais de Tokyo and the Tate Modern, he was in charge of defining and programming the activities of the David Roberts Art Foundation in London and coordinating the collection. Dora García was invited to show Letters from Other Planets and organize a performance in October 2008. Her work was acquired by the collection in 2008.
What a fucking wonderful audience is Dora García’s second solo show at galerie Michel Rein.

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Images available upon request, please contact Léna Monnier: galerie@michelrein.com
Next exhibition: Dan Perjovschi, Free Style, opening reception: 18/04/2009

ouvert du mardi au samedi, de 11h à 19h/ open Tuesday-Saturday 11am-7pm

GALERIE MICHEL REIN
42 rue de Turenne - F-75003 Paris
tel +33 1 42 72 68 13 - fax +33 1 42 72 81 94

galerie@michelrein.com
http://www.michelrein.com

gallery artists: Saâdane Afif, Maria Thereza Alves, Maja Bajevic, Jean-Pierre Bertrand, Jordi Colomer, Jimmie Durham, Dora Garcia, Mathew Hale, Jean-Charles Hue, Armand Jalut, Yuri Leiderman, Didier Marcel, Stefan Nikolaev, ORLAN, Dan Perjovschi, Elisa Pône, Mark Raidpere, Allan Sekula, Raphaël Zarka, Chen Zhen